Simboli e significati nei ritratti di corte., Cosa l'artista e il committente hanno voluto comunicare.

Spesso si guarda il quadro di un personaggio del passato, e a meno di non avere una base di conoscenze della storia e dell'arte, si tende a non carpire i vari significati che questi ha voluto trasmettere ai posteri.
In particolar modo nei ritratti di personaggi storici, re, principi, cortigiani ecc, tutte le componenti hanno un preciso significato e tutte concorrono a mandare un chiaro messaggio allo spettatore: il potere della persona ritratta.
L'immagine dipinta è la prova più immediata della realtà del potere, una testimonianza, lasciata ai posteri a imperitura memoria.
Il potere parla attraverso simboli, attributi, stereotipi. Nell'opera d'arte, il potere e l'uomo di potere (o la donna), racconta di se stesso e della sua epoca, di eventi politici e personali, di fasti, di usi e costumi, di una vanità tutta umana, eterna ma effimera allo stesso tempo.
Volevo quindi proporre alcuni quadri famosi (non in ordine cronologico) che sicuramente tutti conoscete e metterne in risalto l'aspetto descrittivo per capire cosa il pittore e il committente hanno voluto trasmetterci.

Partiamo con il celeberrimo ritratti del nano...ehm dell'imperatore Napoleone Bonaparte eseguito da Jean-Auguste-Dominique Ingres nel 1806.



Qui Ingres, allievo di David, affida il messaggio a un eccezionale rigore compositivo: sembra di guardare una divinità greca.
I simboli del potere imperiale francese sono ben visibili: lo scettro di Carlo V nella mano destra e la mano di giustizia di Carlo Magno nella sinistra.
La Legione d'Onore spicca al centro del collare sul petto: l'ordine è stato istituito da Napoleone nel 1802.
Sui braccioli del trono compaiono le aquile, che perlaltro sono anche i simboli dei sovrani carolingi e del potere romano imperiale, mentre sulla veste spiccano le api franche (centinaia di api d'oro erano state trovate nel sepolcro di Childerico, fondatore della dinastia merovingia) che Napoleone ripropone come simbolo di industriosità.
Napoleone non tocca terra con i piedi (come gli imperatori che l'hanno preceduto) e sembra ancora più sospeso, autorità eterna e immutabile (cosa che non fu).
Sul tappeto si nota l'aquila imperiale.

Passiamo ora a una donna celebre per il suo fascino e la sua intelligenza, che ha saputo tenere stretto a se per anni uno dei sovrani più volubili e donnaioli della dinastia dei Borbone di Francia: Madame de Pompadour, una delle favorite più famose della storia.
In questo dipinto è ritratta da Maurice Quentin de Latour.


Progettato intorno al 1748, de Latour finisce il ritratto solo nel 1755. A rallentare il lavoro sono le continue modifiche richieste al pittore dalla Marchesa.
Tutto quello che circonda la marchesa, dai libri al globo terrestre, dalle partiture alle incisioni, vuole testimoniare le sue doti intellettuali: in questo ritratto Madame de Pompadour si identifica col modello di donna istruita che partecipa nei salotti al dibattito intellettuale. Si tratta del modello di femme savante che trionfa nel secolo dei lumi.
Dalla scrivania pende un'incisione che illustra il Traité historique des pierres gravées du Cabinet du Roi del collezionista Pierre-Jean Mariette.
Malgrado l'autore di questa incisione fosse il conte de Caylus, de Latour aggiunge la firma della marchesa in allusione alla sua attività di incisore.
Sulla scrivania appaiono numerosi libri di cui de Latour ha voluto fornire il titolo: Il pastor fido di Guarini, l'Encyclopédie, l'Esprit des lois di Montesquieu e La Henriade di Voltaire. Si tratta quindi di una raccolta di opere di natura teatrale, filosofica e politica.
Oltre alla presenza dei libri si posso osservare altri oggetti che qualificano la marchesa come patrona delle arti: tra questi la musica, rappresentata dalla partitura tra le mani e dalla chitarra barocca sulla sedia alle sue spalle.

Facciamo un salto indietro nel tempo e cambiamo nazione.
Il soggetto del dipinto attribuito a George Gower è Elisabetta Tudor, figlia di Enrico VIII e Anna Bolena, passata alla storia col soprannome di Regina Vergine.



Eseguito intorno al 1588, il dipinto celebra la vittoria inglese sulla flotta di Filippo II, l'Invincibile Armata.
Le navi spagnole sono raffigurate sullo sfondo, a destra della regina, sotto la minaccia dei vascelli inglesi, a sinistra spinte verso la costa dal "vento protestante" che la leggenda vuole sia intervenuto in aiuto dell'Inghilterra.
L'effige di Elisabetta è inquadrata da due colonne che evocano l'impresa imperiale di Carlo V, in riferimento alle due colonne d'Ercole che gli antichi ritenevano segnassero i confini del mondo conosciuto.
Le due scene di battaglia si svolgono in una caso sotto un cielo coperto e burrascoso, nell'altro sotto un sole splendente.
La regina rivolge le spalle alla tormenta e guarda verso il sereno, come ad indicare che una volta arginata la minaccia spagnola, all'Inghilterra spetta un futuro di pace e benessere sotto la guida di Elisabetta.
Come in altri dipinti di questo periodo, anche in questo caso i simboli imperiali acquistano un notevole protagonismo. Sotto la protezione della corona, la mano della regina si posa sul globo terrestre, sulle Americhe, in allusione al potere marittimo inglese e alle sue mire espansionistiche.
Il corpo della regina appare fortemente stilizzato, appiattito sotto lo schiacciante peso dei broccati e dei gioielli, mentre la composizione è dominata dalle forme geometriche.
Si tratta di un processo di crescente astrazione che mira a divinizzare la figura di Elisabetta I.

Ora facciamo di nuovo un salto avanti nel tempo e ritorniamo in Francia.
Il seguente ritratto di Hyacinthe Rigaud ha per soggetto il sovrano francese più noto: Luigi XIV.



Il re Sole appare qui come la quintessenza del monarca assoluto. Dietro di lui compare un bassorilievo raffigurante l'allegoria del potere. Spicca sul petto la croce dell'ordine dei Cavalieri di Malta.
All'età di 63 anni, il re è raffigurato in costume d'apparat con le insegne del potere: il mantello ricamato di gigli foderato d'ermellino, la corona, lo scettro e la mano della giustizia appartenute a Enrico IV, le calze fermate dalle giarrettiere e le scarpe bianche col tacco, la spada Gioiosa che fu di Carlo Magno.
Rigaud riesce a fare coesistere idealizzazione e scrupoloso naturalismo, in particolare nella resa dei materiali e delle modificazioni cromatiche dovute agli effetti di luce. Il volto è un ritratto dal vero, innestato sul resto dellla composizione, dipinta separatamente nello studio del pittore.
La tecnica è di tale precisione da rendere gli oggetti in un modo praticamente fotografico (compreso il trono ricoperto con lo stesso tessuto del manto).
L'opera è stata commissionata per essere offerta a Filippo V, nipote di Luigi e Re di Spagna dopo il 1700, ma venne ritenuta di tale qualità da non lasciare mai la Francia.

Ritornerò a breve con altri ritratti.

Grazie per la precisazione Yue

Pensa Yue che il ritratto che hai postato l'avevo sempre trovato a risoluzione infima e non avevo mai notato tutti questi particolari, ad esempio gli occhi e le orecchie. Molto, molto interessante! Grazie!

Sarebbe interessantissimo. Curiosità a mille!

Il ritratto che segue raffigura Giovanna Tornabuoni ed è opera di Domenico Ghirlandaio.



L'opera è datata 1488, anno della morte di parto di Giovanna degli Albizi, maritata a Lorenzo Tornabuoni.
Lo si può notare anche nella scritta del cartellino alle sue spalle. Probabilmente venne eseguita dopo la morte a memoria della fanciulla, magari anche negli anni immediatamente successivi. Ciò spiegherebbe il carattere fortemente idealizzato dell'opera e il suo senso di malinconia.
Sullo sfondo di una parete scura, dove si apre uno stipo con alcuni oggetti, si staglia netto il ritratto della nobildonna fiorentina vista di profilo, in una posa eretta e di grande dignità, seppure addolcita dalle curve della schiena e del petto, dall'abito fastoso e dai colori lucidi e quasi smaltati.
Ricordiamo che dalla metà del 400 la veduta di profilo si impone in Italia come modello di ritratto femminile.
Si tratta di una tipologia che sottolinea la bidimensionalità della rappresentazione, più attenta all'aspetto simbolico che non alla resa naturalistica della persona ritratta.
I tratti del volto appaiono fortemente idealizzati, così come le forme del corpo.
L'artista mira non tanto a registrare fedelmente le fattezze della donna, quanto a ricordarla come esempio di bellezza e virtù femminile, secondo gli ideali rinascimentali.
Sotto la veste Giovanna indossa un ricco corpetto con ricami floreali e una camicia bianca, che sbuffa con pieghette chiuse da lacci lungo la manica e la spalla. Essa stringe in mano un fazzoletto e indossa pochi gioielli, ma di valore, tra cui il grosso pendente con perle di calibro e un rubino, legato da un nastro scuro sul collo, mentre una spilla simile si trova nello stipo dietro di essa. Tutti questi attributi hanno il compito di trasformare l'immagine della donna in un'icona di perfezione, esaltandone la bellezza sia esteriore che interiore.

Simonetta Vespucci ritratta da Piero di Cosimo. Nobildonna del rinascimento, ritenuta dai suoi contemporanei come la più bella donna vivente e musa di molti artisti trai quali appunto Piero di Cosimo e Botticelli (che la ritrasse più volte).



La ragazza è effigiata a mezza figura di profilo, voltata verso sinistra e sullo sfondo di un paesaggio aperto. Una nube scura esalta per contrasto il profilo purissimo del volto, dalla carnagione chiarissima.
Colpisce anche l'albero secco, l'unico in una natura viva, lungo un tratto di costa dalle linee dolci.
Tradizionalmente viene identificato come un ritratto nelle vesti di Cleopatra, per il seno scoperto e l'aspide attorcigliato al collo con il quale essa morì. Studi più recenti hanno però anche ipotizzato che la donna rappresenti Proserpina, col serpente che simboleggerebbe la speranza di resurrezione in chiave pagana.
Stupisce la purezza dei lineamenti e la ricchezza dell'acconciatura, elaborata con treccine, nastri e perline. La fronte è altissima, secondo la moda del tempo che prevedeva la rasatura dell'attaccatura dei capelli. Il busto, secondo una tipologia quattrocentesca, è leggermente ruotato verso lo spettatore, in modo da favorire la visuale, ed è avvolto da un panno riccamente ricamato e intarsiato.
Come in altri ritratti rinascimentali, il motivo del seno nudo richiama il tema della Venus pudica, riferito alle spose dipinte in ritratti singoli o di coppia.
Sul parapetto dipinto si legge un'iscrizione che imita lettere intagliate, uno stratagemma già usato nell'arte fiamminga sin da Jan van Eyck. Vi si legge: SIMONETTA IANUENSIS VESPUCCIA. Si tratta di un'incisione successiva, voluta probabilmente dalla famiglia Vespucci per onorare l'illustre antenata.
Quando vide il ritratto in casa di Francesco da Sangallo nel 1568, così Giorgio Vasari lo commentò: "Una bella testa di Cleopatra con un serpente attorcigliato intorno al collo". Non colse nel segno: qui la serpe è simbolo di prudenza e della giovane vita interrotta, poichè la linea circolare non è completa. (Ricordo che Simonetta morì a soli 23 anni di tisi).
Ancora Poliziano celebra il "lieto viso", incorniciato da "crini d'oro" sciolti, per lui simbolo della verginità. E' forse lei la Venere dell'omonimo lavoro di Botticelli.





Non avevo mai ricollegato quell'avvenimento al fatto che la Pompadour si fosse fatta ritrarre nelle vesti di Diana. Che bello, adoro scoprire tutti i segreti che si nascondono dietro a un dipinto.
Grazie Claudia

Proseguo con il Dittico con i Duchi d'Urbino di Piero della Francesca realizzato nel 1474.



Partiamo dalla parte sinistra dove troviamo la duchessa Battista, figlia di Alessandro Sforza, signore di Pesaro.
Il dittico è un sincero omaggio postumo all'adorata moglie, mancata qualche tempo dopo la nascita del figlio per complicanze; Battista infatti è di un pallore non umano.
Il volto si staglia quasi inciso sull'azzurro del cielo: per ritrarla, il pittore si è probabilmente basato su un ritratto a bassorilievo eseguito qualche anno prima.
L'acconciatura è tipica dell'Italia rinascimentale: senza copricapo rigido, consta di una pettinatura con i capelli suddivisi sui due lati del volto a coprire elegantemente, da donna sposata, le orecchie.
Sul capo (dove si nota la rasatura tipica dell'epoca) spicca una "gioia da testa" con sfere forse di cristallo di rocca (Piero della Francesca era un maestro nel gioco delle trasparenze).
Il paesaggio retrostante è visto a volo d'uccello, reso con precisione miniaturistica. Si percepisce l'influenza dei pittori fiamminghi sull'autore, che dipinge dietro le dolci colline oggi marchigiane la catena degli Appennini.
Spostiamoci ora a destra, al profilo di Federico di Montefeltro.
Il profilo resta elemento inconfondibile della pittura rinascimentale. Il Duca si era rotto il setto nasale in gioventù durante un torneo, che gli era costato anche la perdita dell'occhio destro.
Il realismo con cui l'autore dipinge il volto è straordinario. La pelle olivastra mostra piccole, fitte rughe attorno alle palpebre e sulle guance, nè viene fatta nessuna concessione all'idealizzazione tradendo il profilo decisamente non bello.
Il berretto rigido alla capitanesca, in voga alla metà del Quattrocento, è dello stesso colore della giubba, il rosso colore gerarchico.
Federico è un uomo che tende a volersi mostrare senza intutili orpelli.
Tanto è plastico e reale il corpo, tanto è poco segnalato il valore formale della natura, che sembra diventare pura astrazione. E Federico emerge in una sfera di dignità superiore.

Grazie infinite Yue, adoro quel ritratto e nessuno meglio di te poteva presentarcelo così magistralmente!

Da due mesi tengo una rubrica su Civiltà dedicata proprio a queste tematiche, anche se non riguardano nello specifico i ritratti di corte ma i ritratti in generale. Quando sarà passato un po' di tempo dalla pubblicazione posterò qualcosa. Su questo numero c'è il famoso ritratto di Giuseppe Verdi, sul prossimo il Cavaliere con l'Ordine Costantiniano di Fra Galgario

Buono a sapersi. Faccio un salto in edicola in questi giorni.